musica folk gallega

Música celta es el término utilizado para describir un amplio grupo degeneros musicales que parten de la tradición musical popular de los pueblos considerados de tradición celta de Europa occidental Como tal, no existe un cuerpo musical real que pueda ser descrito como celta, pero el término sirve para unificar tanto músicas estrictamente tradicionales de determinadas regiones geográficas, como un tipo de musica comtemporanea  de raiz folklórica con un mismo origen etnológico y musical.
El término significa principalmente dos cosas: en primer lugar es la música de los pueblos que se autodenominan celtas, a diferencia de, por ejemplo, la música francesa o la música inglesa, definidas por existir dentro de unas fronteras políticas claras. En segundo lugar, se refiere a las características que serían exclusivas de la música de las llamadas naciones celtas Algunos, como Geoff Wallis y Sue Wilson en su obra The Rough Guide to Irish Music, insisten en que muchas de las tradiciones agrupadas en la etiqueta "celta" son ostensiblemente diferentes entre sí (por ejemplo, la gaélica y la bretona) y en realidad tienen nada o poco en común. Otros, sobre todo músicos como Alan Stivell dicen que sí lo tienen, en concordancia con estudios más antiguos.
A menudo, por su amplia difusión, el término "música celta" se aplica a la música de Irlanda  y  Escosia ya que ambos lugares han producido estilos bien conocidos que comparten muchos y evidentes rasgos comunes, tanto en lo musical como en lo lingüístico (cultura gaélica). Sin embargo, es notable que los músicos tradicionales irlandeses y escoceses evitan el término música celta, excepto cuando se ven obligados a ello por las necesidades del mercado, y cuando se producen en festivales de música celta fuera de sus fronteras. La definición se complica aún más por el hecho de que la independencia permitió a Irlanda promocionar la música celta como un producto específicamente irlandés, quedando así difuminados sus lazos musicales con la vecina Escocia (lazos que han sido en gran parte reestablecidos por los músicos modernos). Escoceses e irlandeses, aunque distintos y separados en lo político, comparten una misma ascendencia cultural y, por consiguiente, puede hablarse de un patrimonio musical celta (o gaélico) común a ambos.
Estos estilos gaélicos gozan de renombre internacional debido a la influencia de irlandeses y escoceses en el mundo de habla inglesa, especialmente en Estados Unidos donde tuvieron un profundo impacto en músicas americanas como el bluegrass y el country
La música de Gales, Cornualles , la Isla de Man,Bretaña ,Galicia,Asturias, y algunas zonas de Cantabria Leon y Portugal son a menudo etiquetadas también como "música celta", aunque poco tienen que ver sus respectivas tradiciones con la música que constituye su principal referencia, es decir, la gaélica de Irlanda y Escocia.El movimiento musical celta, de carácter romantico y vinculado a veces a reivindicaciones de minorías culturales y nacionales, es particularmente fuerte en Bretaña, donde diversos festivales de música celta tienen lugar a lo largo del año, en paralelo y concordancia con otras celebraciones tradicionales  en las que la música bretona tiene un lugar destacado y que acogen bandas y músicos de otros países de tradición celta. Del mismo modo, Gales mantiene sus antiguas celebraciones, como el Eisteddfod. Existe además una dinámica escena musical en el seno de las comunidades extranjeras de origen irlandés y escocés, especialmente en Canada donde se unen grupos de tradición bretona, y en los Estados Unidos
La identificación de características comunes en la música celta es problemática. La mayoría de las formas musicales populares hoy consideradas como característicamente celtas fueron (y a menudo siguen siendo) comunes a muchos otros lugares de Europa Occidental. Existe un debate sobre si las jigas irlandesas fueron adaptadas de la giga italiana, forma típica de la era barroca por ejemplo, mientras que la polca tiene su origen en la tradición checa y polaca.

Típica gaita escocesa.

Hay géneros y estilos musicales propios de cada país celta debido a las tradiciones individuales de canto y a las características de sus lenguajes específicos. Los Strathspeys son específicos de las Tierras  de Escocia por ejemplo, y algunos han teorizado que sus ritmos imitan los de la lengua escocesa


Es difícil saber como sonaba de verdad la música de los antiguos celtas. Lo que se conoce en nuestro tiempo como música celta es en realidad la música tradicional desarrollada recientemente en varias regiones y países de la Europa atlántica, que fueron habitadas por tribus celtas hace 2.000 años. Esta herencia común, además de siglos de comercio e interacción, ha creado lazos fuertes entre algunos de los pueblos atlánticos europeos. La gran renovación cultural de la llamada música celta se produjo en de década de los 1970 gracias a varios artistas influyentes.

• El músico bretón Alan Stivell introdujo la llamada arpa celta e incluso el concepto de música celta al gran público. La música celta, por lo tanto, es más un concepto de marketing (o mercadeo) relativamente reciente que un fenómeno enraizado en la antigua música de los celtas. Otro grupo, Gwendal, también de Bretaña, recorrió Europa exhaustivamente durante dos décadas con su mezcla de música celta bretona, jazz y rock. 

• La banda escocesa fundamental, Silly Wizard, tocaba lo mejor de la música escocesa con arreglos nuevos y creó toda una escuela de seguidores.

• Grupos irlandeses como Plantxy y The Bothy Band atrajeron la atención mundial con su concepto de la música irlandesa. 

• En Galicia, el cantante y arpista Emilio Cao, el ya legendario Milladoiro y la influyente Escuela de Gaitas de Vigo iniciaron el asombroso renacimiento gallego. 

Gracias a la proliferación de festivales interceltas, iniciados en la década de los setenta (1970), músicos de Bretaña, Escocia, Irlanda, Gales, Galicia, Asturias, y otros lugares, han intercambiado melodías, instrumentos musicales y participado en grabaciones mutuas. Si los lazos musicales no existieron claramente en el pasado, la realidad ahora es que sí se han formado lazos.
El "renacimiento" celta ha traído consigo la recuperación de la zanfona en Bretaña y Galicia, el arpa "celta" en la mayoría de las llamadas zonas celtas y un nuevo respeto hacia la gaita.
Los principales centros europeos de la música celta son Irlanda, Escocia, Bretaña (Francia), Galicia (España), Asturias (España) y Gales (Gran Bretaña). Otras regiones más pequeñas con una fuerte presencia de la música celta son: Cornwall (Gran Bretaña), Northumbria (Gran Bretaña), Trás-os-Montes (Portugal) y la Isla de Man (Gran Bretaña). Fuera de Europa, la música de la diáspora irlandesa, escocesa y gallega han encontrado un hogar cómodo en el este de Canadá (Cabo Bretón), los Estados Unidos de América, Argentina y Australia.
La música celta ha roto barreras y ha llegado hasta el pop de consumo masivo gracias a artistas como Enya, Altan, Loreena McKennitt, Los Chieftains, y al mercado de las nuevas músicas (también conocida como nueva era o new age) por vía de recopilaciones numerosas y álbumes conceptuales.

Historiadores de la antigua Grecia, como Herodoto (400 AC) y Hecataeus de Mileto (500 AC), escribieron sobre los keltoi, un grupo de tribus bárbaras de la Edad de Hierro que contaban con un idioma y cultura común y habitaban inmensos territorios por toda Europa. El espacio de los keltoi abarcaba desde Irlanda y la Península Ibérica occidental (España y Portugal) en el oeste hasta Bohemia (República Checa), Baviera (Alemania) y Austria, en el este.
Los celtas eran una mezcla de pueblos indo-europeos occidentales que crearon un arte ornamental muy vistoso y hablaban un idioma que los romanos llamaban celta. Su estructura del poder social incluía a señores de la guerra y sacerdotes conocidos como druidas. Vivían en pueblos en las cimas de colinas para poder defenderlos de otras tribus belicosas celtas. Con la llegada del Imperio Romano, la civilización celta casi desapareció. La mayor parte de Europa occidental excepto Irlanda, fue romanizada.

musica celta en España 

En Españaes internacionalmente conocido el Festival de Ortigueira como uno de los escaparates de los grupos españoles, así como el Festival Interceltico de Aviles Existen diversos grupos y autores que se adaptan más o menos a las definiciones originarias de lo que se entiende por música celta.
La mayoría de los grupos y solistas calificados como música celta cantan en gallego o en asturiano pues la música celta forma parte del folclore tradicional de Galicia y Asturias Así, de Galicia son Luar na Lubre, Milladoiro , Os Cempes, Carlos Nuñez , Berrogueto, Susana Seivane , Cristina Pato, Xose Manuel Budiño  o Mercedes Peon ,mientras que de Jose Angel Hevia (precursor de la gaita electronica), Tejedor , Felpeyu, Llan de Cubel y Corquiéu son de Asturias. Asimismo, también encontramos grupos en otras zonas de España de "tradición celta" como Luétiga, Atlántica y Cambera'l Cierzu en Cantabria o Antubel, Gandalf, Tsuniegu, Olwen, Medulia y L´Arcu la Vieya en León.
Es también interesante destacar la existencia de grupos de folk fuera de las regiones más tradicionales, como O´Carolan en Aragón, Hibai Deiedra y Kepa Junkera en País Vasco o Zamburiel en Madrid.
Otros grupos, como Triquel, Celtas Cortos o Akelarre AgroCelta, así como más recientemente El Sueño de Morfeo, exploran ciertas características de este estilo musical, aunque no por ello se puede afirmar que interpretan "música celta" de forma regular.
La música celta también tiene su hueco en el rock español. Uno de los primeros grupos españoles en fusionar las vertientes de la música celta con el Heavy Metal fue Ñu. Más tarde también se encontrarían en este subgénero bandas como Lándevir o Saurom. Sin embargo, el grupo de mayor éxito ha sido Mägo de Oz con su fusión de rock heavy y sonidos celtas.

 

musica folk

La canción popular ahora se considera generalmente como la expresión auténtica de una manera de la vida, más allá o desaparecer alrededor (o en de algunos casos, ser preservado o ser restablecido de alguna manera). Desafortunadamente, a pesar de la asamblea de un cuerpo enorme del trabajo sobre unos dos siglos, todavía no hay unanimidad en qué música tradicional (o folclore, o la gente) era (Midletton 1990).Gene Say , co-fundador y anfitrión del Festival Popular de Filadelfia música Folk definida en una entrevista de abril 2003 diciendo: "en el sentido más terminante, es la música que se escribe raramente para el beneficio. Es la música que ha aguantado y pasado abajo por la tradición oral, y la música tradicional es participatoria no teniendo que ser gran músico para ser cantante popular, y finalmente, él trae un sentido de la comunidad. Es la música de la gente.

La música tradicional, música folklórica o música típica (como se le conoce en algunos países de america , es la musica  que se transmite de generación en generación (y hoy día también de manera académica) como una parte más de los valores y de la cultura de un pueblo . Así pues, tiene un marcado carácter etnico que normalmente no la hace fácil de comprender a escala internacional. No obstante, existen excepciones notables como el flamenco, la jota, el tango el  samba, cumbia (colombiana) y, en general, todos los ritmos latinos que hayan mantenido cierta entidad propia con el tiempo y sean algo más que una moda.

Características importantes

Desde una perspectiva histórica, la música folklórica ha tenido estas características:

• Es transmitida a través de una tradicion oral
• La música está usualmente relacionada a la cultura nacional de un pueblo.
• Se conmemoran eventos históricos y personales.
• Carece de derechos reservados en las canciones.
• Fusiona culturas.
• No es comercial.
• No tiene autor conocido, excepto en algunas excepciones.
• Se puede modificar.
• Se transmite de generación en generación.
• Se suele acompañar de baile.

Al contrario que muchos otros países europeos, Noruega disfruta de una tradición continua de música folk. Dado que esta música ha ido pasando sin ningún tipo de interrupción de generación en generación, no ha habido la necesidad de un renacimiento de música folk. No obstante, los escenarios en los que se ha presentado la música folk han ido cambiando con el paso del tiempo. En los últimos 10 ó 15 años, ha aumentado el nivel de profesionalidad y la comunidad folk en la actualidad cuenta con un buen número de intérpretes emergentes de gran nivel.
La música folk noruega, tanto vocal como instrumental, está normalmente interpretada por solistas. La música instrumental se ejecuta normalmente con el violín o el violín Hardanger, que es considerado el instrumento nacional de noruega. El violín Hardanger es un violín con cinco cuerdas paralelas, está hermosamente decorado y está fabricado de forma diferente a un violín común. Los expertos no se ponen de acuerdo a la hora de decidir si el violín Hardanger es el resultado de la evolución del violín normal o de algún otro instrumento medieval de cuerda. Otros instrumentos tradicionales de la música folk en Noruega son el arpa judía (munnharpe), algunas flautas, cuernos de carnero (bukkehorn), cuernos de madera (lur) y la cítara noruega (langeleik). Los orígenes de algunos de estos instrumentos se remontan a tiempos muy antiguos. Aunque una parte de la música folk noruega es también muy antigua, una mayoría del repertorio se remonta al siglo XIX. El repertorio instrumental está normalmente dividido entre los tipos más recientes de música de danza tradicional centroeuropea (gammaldans), tales como valses, reinlenders y polkas, y las formas más antiguas (bygdedans) como el springar, gangar y lyarslått (conocidos internacionalmente por sus nombres noruegos). El uso de cuerdas de zumbido en la tradición del Hardanger, combinado con la gran cantidad de tonos empleados, da a la música una rica variedad de armonías tonales. Esto ha servido de inspiración a un gran número de compositores noruegos entre los que se incluye al conocido Edvard Grieg.
Se organizan dos certámenes nacionales cada año. El Festival Nacional de Música de Danza Folk es un concurso gammeldans, mientras que el Concurso Nacional de Música Tradicional utiliza el violín más antiguo, el bygdedans y la tradición cantada, la danza folk y el dominio de instrumentos de música folk más antiguos. Otros lugares importantes donde se congregan músicos folk y su público son el Festival de Música Folk de Førde, el Festival Internacional de Música Folk Telemark en Bø y el Festival Jørn Hilme en Valdres. 
Entre los músicos de folk noruegos destacan los violinistas de Hardanger, Knut Buen, Hallvard T. Bjørgum y Annbjørg Lien, la violinista Susanne Lundeng, y los cantantes Agnes Buen Garnås, Kirsten Bråten Berg, Odd Nordstoga y Øyonn Groven Myhren. Entre los grupos más populares se incluyen Majorstuen, Kvarts, Tindra, Dvergmål y Utla.

Reggae

El reggae es un genero musical que se desarrolló por primera vez en Jamaica hacia finales de los años 1960 Aunque en ocasiones el término se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de musica jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el rocksteady
El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de acentuación del off-beat conocida como  skank

HISTORIA 

Normalmente, el tempo del reggae es más lento que el del ska y el rocksteady. El reggae suele acentuar el segundo y cuarto beat de cada compas sirviendo la guitarra para poner o bien énfasis en el tercer beat o para mantener el acorde desde el segundo hasta el cuarto. Es generalmente este "tercer beat", tanto por la velocidad como por la utilización de complejas líneas de bajo, lo que diferencia al reggae del rocksteady.
La edición de 1967 del Diccionario deIngles Jamaicano incluía "reggae" como "una expresión recientemente establecida para rege", equivalente a rege-rege, una palabra que podía significar tanto "trapos, ropa andrajosa" como "una pelea o riña".El término reggae con un sentido musical apareció por primera vez en el hit rocksteady de 1968 "Do the Reggay" de The Maytals pero ya se utilizab
El reggae se desarrolló a partir del rocksteady en los años 1960. El cambio del rocksteady al reggae es ilustrada por el empleo de lshuffle en el órgano, cuyo pionero fue Bunny Lee. Este rasgo ya aparecía en algunos singles de transición como "Say What You're Saying" (1967) deClancy Eclces o "People Funny Boy" (1968) de Lee Scrach Perry  El tema "Long Shot Bus' Me Bet" publicado por el grupo The Pionners en 1967 es considerado como el ejemplo grabado más temprano del nuevo sonido que pronto sería conocido como reggae.
Es hacia comienzos de 1968 cuando los primeros discos de reggae genuino fueron publicados: "Nanny Goat" de Larry Marshall y "No More Heartaches" de The Beltones. El hit "Hold Me Tight" del artista estadounidense Jonnny  Nach de 1968 ha sido reconocido como el primero en poner el reggae en las listas de éxitos de Estados Unidos.Hacia esta época, la influencia del reggae comenzó a dejarse sentir en la música rock. Un ejemplo de rock que incluía ritmos reggae es la canción de The Beatles"Ob-La-Di, Ob-La-Da" de 1968.

Bob Marley

The Wailers, una banda formada por Bod Marley Peter Tosh y Bunny Ailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la transición a través de las tres etapas de la primera música popular jamaicana: ska, rocksteady y reggae. Otros pioneros reggae incluyen a Prince, Desmond Dekker y Jackie Mittoo.
En el desarrollo que llevó el ska hacia el rocksteady y posteriormente al reggae, fue fundamental la contribución de varios productores jamaicanos. Entre los más importantes están Coxsone Dodd, Lee "Scratch" Perry, Leslie Kong, Duke Reid, Joe Gibbs y King Tubby. Chris Blackwell, que fundó el sello Island Records en Jamaica en 1960, se mudó a Inglaterra en 1962, donde continuó promocionando la música jamaicana. Se alió a Trojan Records, fundado por Lee Gopthal en 1968. Trojan publicó discos de artistas reggae en UK hasta 1974, cuando Saga compró el sello.
En 1972, la película The Harder They Come, en la que actuaba Jimmy Cliff, generó un considerable interés y popularidad para el reggae en Estados Unidos, y la versión de Eric Clapton en 1974 del tema de Bob Marley "I Shot the Sheriff" ayudó a llevar el reggae al mainstream.^[15] Hacia medidados de los años 1970, el reggae recibía un considerable espacio en la radio inglesa, especialmente gracias al programa de John Peel. Lo que se conoció después como la "edad dorada del reggae" corresponde aproximadamente al apogeo del roots reggae.
En la segunda mitad de los años 1970, la escena de punk rock de Gran Bretaña comenzaba a formarse, y el reggae fue una importante influencia para ello. Algunos DJs de punk ponían canciones de reggae durante sus sesiones y numerosas bandas de punk incorporaron estas influencias reggae en su música. Al mismo tiempo, el reggae comenzó una cierta recuperación en Inglaterra en los años 1980 abanderada por grupos como Steel Pulse, Aswad, UB40 y Musical Youth. Otros grupos que recibieron interés internacional a comienzos de los 1980 fueron Third World, Black Uhuru y Sugar Minott.
a en Kingston, Jamaica, para denominar una forma más lenta de bailar y tocar rocksteady.

Informacion sobre la zarzuela

¿De donde viene el nombre de zarzuela?
La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la zarzuela nombre del pabellón de caza cercano a Madrid donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género. La zarzuela se cultivó con muchos aciertos al trasladarse a Cuba donde  y a Venezuela.
En Filipinas, la popularidad de las zarzuelas cedió a la indigenización de este género. Durante la colonización norteamericana, las sarwelas(la forma indígena) fueron una forma mayor de mostrar resistencia a fuerzas extranjeras. Honorata 'Atang' de la Rama fue conocido como la Reina de la Sarswela Filipina. Esta forma de la Arte se llama también zarzuelta en varios lugares del país.
La zarzuela es la forma Española de la Opereta la opereta es una representación teatral que, a diferencia de la opera, no es totalmente musical sino que alterna partes habladas y partes musicales.
                                                             
¿Que es una tonadilla escenica?
Es una obra escénica, generalmente corta, humorística y satírica con argumento basado en costumbres típicas españolas que se representaba en los siglos XVIII y XIX durante los intermedios de las comedias.
Se trata de un género exclusivamente español. La parte musical era muy importante, aunque se alternaban textos cantados y recitados. El número de personajes oscilaba entre uno y seis. El compositor solía inspirarse en temas folklóricos muchas veces de origen andaluz.
La tonadilla escenica se caracteriza por su carga de españolismo frente a otras expresiones musicales con influencia extranjera y supone un espectáculo teatral de una duración de 20 minutos. Las normas para su duración fueron expresamente indicadas por el literato y político español del siglo XVIII, Jovellanos, con motivo del concurso abierto para premiar nuevas tonadillas que tuvo lugar el 2 de diciembre de 1791.

¿Historia?
Parece que los primeros autores que aportaron su genio a este nuevo estilo de teatro musical fueron Lope de Vega  y Calderon de la Barca. Según las investigaciones, Calderón es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela para una obra suya titulada el golfo de las sirenass (1657) que interpretaba la vida de un joven aventurero que emprendía un largo viaje lleno de misterios y peligros.
El siglo XVIII da entrada a la dinastia de los Borbones con ellos se pusieron de moda los estilos italianos en diversas manifestaciones artísticas, incluida la música y la danza en los centros de convivencia de la plebe. Las zarzuelas del siglo XVIII se convirtieron en obras estilísticamente parecidas a las operas italianas: por ejemplo, las obras de Antonio de Literis Pero al llegar el reinado de Carlos III, amante de las buenas representaciones teatrales, los problemas políticos provocaron una serie de revueltas contra los ministros italianos llevando el conflicto a la toma de ayuntamientos y disturbios frecuentes (como, por ejemplo, el motín de Esquilache , hecho que repercutió en las representaciones teatrales y de nuevo imperó la tradición popular española representada, en esta ocasión, por los sainetes de don Ramon de la Cruz.
El auge de la zarzuela llegó, en el siglo XIX, a partir de 1839 con los músicos Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente a los demás por medio de representaciones acústicas, como ocurría con los cúples. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas o de contenido sexual que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular para asegurar que la interpretación fuera un éxito.
Contrario a las escenas españolas de cortes o aldeas, la zarzuela cubana describía imágenes y costumbres de la época colonial, utilizando las suaves cadencias musicales que dan a Cuba tanto reconocimiento mundial. Tema popular era el señorito rico, hijo del dueño del ingenio, que aunque comprometido con una joven de su clase, cortejaba a la joven mulata, zalamera y atrevida, con quien tenía amores prometiéndole matrimonio. El final era por lo general truculento, con desengaños, pasión, celos y lágrimas. Estos impresionantes finales no restaban un ápice a la belleza de la música, antes bien ponían énfasis en las habilidades y talentos histriónicos y musicales de los artistas de la interpretación teatral y musical del Divino Maestro.
En los primeros años del siglos XX se componen obras de mayor calidad musical como "Doña Francisquita" de Amadeo Vives o, un poco antes Gigantes y  Cabezudos1898 ,del maestro Fernandez  Caballero que supo ganarse muy bien a la crítica componiendo una obra muy del "gusto popular".

Expansion en latinoamerica

Los siglos XIX y XX fueron épocas de gran producción de zarzuelas en la América Latina, en especial en Venezuela , Cuba , Mexico y Argentina  de donde salieron grandes obras que todavía son presentadas internacionalmente como El cumpleaños de Leonor , de Montero  que era la historia de una mujer mayor que al descubrir la traición de su marido buscaba una vida mejor en la gran ciudad ; Maria de la O  de Ernesto Lecuona  y La Media Naranja del íbero-argentino Antonio Reynoso
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http://www.youtube.com/watch?v=2PJhEZhb6x4&feature=fvst

Danzas latinoamericanas

Tango:nació en el Río de la Plata. Algunos aseguran que fue en Buenos Aires y que luego se extendió a Montevideo, otros dicen que fue en ambas orillas del río aproximadamente al mismo tiempo. Aunque reconoce lejanos antecedentes africanos y europeos es netamente una danza de fusión de distintos ritmos llevados por los inmigrantes a Argentina y Uruguay.

http://www.youtube.com/watch?v=5E4mBoGX6Dw&feature=fvst








Salsa:Se dice que la salsa nació en las calles de Nueva York, de la mezcla de distintos ritmos fundamentalmente cubanos pero también puertorriqueños y de otros países de América Latina, que interpretaban los latinos residentes en la ciudad estadounidense. Algunos aseguran que evolucionó en las décadas del 60 y del 70 y se “exportó” a los países latinoamericanos que a su vez la enriquecieron con otros toques y ritmos. Hoy es uno de los ritmos más apreciados por los amantes de la danza popular.

http://www.youtube.com/watch?v=Tm2HC8uUtfY
 Bachata:Originaria de República Dominicana, es una de las danzas populares latinoamericanas que poca influencia ha recibido de los ritmos africanos que predominan en la región. Su música, muy acompasada y bastante regular, acompaña letras generalmente dedicadas al amor y al desamor.

http://www.youtube.com/watch?v=9GKzbyaEPGY
 Merengue:También originario de República Dominicana, el merengue es un ritmo bastante más rápido y creado a fines del siglo XIX. En principio se tocaba con guitarras pero luego fueron sustituidas por el acordeón de origen español, la guira de origen taíno (los indígenas del lugar) y la tambora de origen africano.
http://www.youtube.com/watch?v=yZNwsCiOfNc



Reggaeton:Basado en el reggae que se desarrolló en la isla caribeña de Jamaica en los años 60 con el gran Bob Marley, el reggaeton creció sobre todo en Puerto Rico y Panamá en los años 80 y 90. Ha tenido influencias de otras músicas latinoamericanas como la bomba y la plena pero también del hip hop crecido en las calles de
 Nueva York. Algunos lo consideran como el rap latino.









Samba:originaria de Brasil, en particular de la zona de Rio de Janeiro, el samba nació a principios del siglo XX bajo la influencia de músicas africanas y de los inmigrantes que venía del norte de Brasil, en particular de la ciudad de Bahia. Las llamadas “scola do samba” nacieron en ese periodo. El samba llegó a Europa en los años 20. En los 60, combinada con el jazz, dio origen a otra música muy popular en Brasil, la bossa nova.

http://www.youtube.com/watch?v=ulcXYjb4eBU






Bossa nova :Música de origen brasileño, remonta sus orígenes al samba típicamente carioca, es decir de la zona de Rio de Janeiro. Es un género musical que se desarrolló  en los años a fines de los años 50 de la pluma del gran poeta brasileño Vinicius de Moraes y de compositores como Antonio Carlos Jobim y Joao Gilberto. La bossa nova logró influenciar la música popular de la época.



 Cumbia: Originaria de la zona colombiana del Río Magdalena, la cumbia también es un producto multiétnico y fruto del sincretismo cultural de loa esclavos negros traídos de África y de los indígenas latinoamericanos principalmente. La palabra cumbia  deriva al parecer de la palabra africana “cumbé” que significa danza. Es popular desde la época de la colonización española. A mediados del siglo XX se difundió en casi toda América Latina. Cada país la enriqueció y nacieron así otros tipos de cumbia: panameña, argentina, salvadoreña, peruana, mexicana, etc. Usa instrumentos como las maracas, el tambor, la tambora o bombo, el sintetizador, el piano, y otros de origen caribeño.


http://www.youtube.com/watch?v=h5_2ZThUOUE



  La milonga es una canción bailable. La música y los movimientos son muy lentos. Después de un corto preludio de guitarra se canta una serie de estrofas. 
El origen de la milonga es muy discutido. Es muy parecida al tango, pero más rapida y menos melancólica. La milonga fusionó con el tango a  principios siglo XX
http://www.tristeyazul.com



El son es el origen de la mayoría de los ritmos modernos. Se baila a un ritmo acelerado y típico del son son movimientos de manos y cadera. Tiene sus orígenes en Cuba y viene de los negros de Cabo Verde. Las culturas españolas y africanas fusionaron en el Caribe y así nació el son.  Pero sin embargo se hizo popular en la Habana y las Antillas a finales del siglo XIX. En la mitad de los años 1920 algunos bailarines profesionales empezaron a bailar el son en los salones. El ritmo se aceleró un poco y varios grupos de rock y pop adaptaban algunos elementos del son.

http://comosuena.com/articulos/son.htm